martes, 29 de junio de 2010

Clavecín Italia

En Italia, la música para clave sufre altibajos, como en el caso de Inglaterra.



Girolamo Frescobaldi

El primer gran compositor del clave italiano del siglo XVII es Girolamo Frescobaldi que compuso tocatas, caprichos, fantasías, canciones, ricercare, danzas y variaciones en la primera mitad del siglo XVII, estableciendo las bases para la música de clave solista europea. En los dos libros de tocatas publicados entre 1615 y 1637 se incluyen las Cento Partite, una obra virtuosa y experimental. Además de a Frescobaldi, cabe mencionar en esta época también a Sweelink. Su obra Toccate et partite(1615) es una de las de mayor relevancia del clave italiano.

Tras Frescobaldi, el clave en Italia tiene en Bernardo Pasquini (1637-1710) el compositor que más sobresale hasta Domenico Scarlatti, aunque su obra no llega a lograr la maestría y originalidad su antecesor.

En la primera mitad del siglo XVIII, entre 1700 y 1720 aparece un compositor cuya obra igualará (si no supera) el alto nivel de Frescobaldi. Se trata del compositor napolitano, que posteriormente asimilará la influencia de la música popular española, enriqueciendo ampliamente el registro compositivo del clavicémbalo, Domenico Scarlatti (1685-1757). En 1721, con su marcha a la Península Ibérica como maestro de clave de la infanta de Portugal (y futura reina de España) María Bárbara de Braganza, Italia ya no conocerá más compositores notables durante el resto del periodo barroco. Wikipedia

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Clavecín en Alemania

En esta época, la música para clave alcanza en Alemania (al igual que en Francia) su máxima expresión, aunque, a diferencia de lo que sucede para la música de clave gala, no llega a considerarse una escuela, aunque sí se postula para el órgano.

Johann Jakob Froberger (1613-1667) es el primer representante ilustre de la música clavecinística germana. Influido por Frescobaldi y Sweelinck, Froberger representa la referencia de la música de clave en Alemania en la primera mitad del siglo XVII. Tras él, y ya en la segunda mitad del mismo siglo, muchos de los compositores célebres que componían para órgano también lo hicieron de forma brillante para el clave, entre los cuales destacaron Matthias Weckmann, Dietrich Buxtehude, Johann Kaspar Kerl, Johann Pachelbel y Georg Muffat. Pachelbel y Buxtehude son las cumbres de la música de teclado germana posterior a Froberger.

Johann Kuhnau (1661-1722) es el más sobresaliente de los compositores del clave en Alemania entre 1670 y 1720. Sus Sonatas bíblicas (1700) suponen uno de los primeros ejemplos de música programática. Junto a Kuhnau, y ya adentrándose con la generación de Bach y Telemann, se halla Georg Böhm (1661-1733), contemporáneo de François Couperin.

En la primera mitad del siglo XVIII, la música nacional, y de todo el periodo, alcanza sus máximas cotas, y la obra capital de Johann Sebastian Bach (1685-1750) establece un antes y un después en la música de este instrumento. Sus obras son trascedentes en importancia, repercusión y extrema calidad, como El clave bien temperado, las Suites inglesas, las Suites francesas, las Partitas, BWV 825-830 y las Variaciones Goldberg, entre otras. Otros célebres compositores germánicos de la primera mitad del siglo XVIII en el ámbito clavecinístico son Johann Mattheson, Christoph Graupner y Georg Philipp Telemann (1681-1767). La siguiente generación alumbra la obra de los hijos de Bach, Wilhelm Friedemann Bach (1710-1784) y Carl Philipp Emanuel Bach, que emprenden la transición del clave barroco al galante en Alemania. Wikipedia

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Clavecín en Francia

En Francia, junto con Alemania, el clave alcanza gran prestigio y difusión. Entre 1610 y 1789 hay una importante escuela francesa del instrumento, ligada a la escuela del órgano francés. Jacques Champion de Chambonnières (1601-1672) es su fundador y primer gran compositor. A partir de Chambonnières, la música de clave en Francia gana muchos adeptos y desplaza al laúd como instrumento favorito para componer a solo. Louis Couperin es, junto con su fundador Chambonnères, el más destacado compositor francés de la primera mitad del siglo XVII.

En la segunda mitad del siglo XVII tomarán su relevo Jean-Henri d'Anglebert (1626-1691), Jean-Nicolas Geoffroy (1633-1694) y Nicolas Lebègue (1632-1702), quienes llevaron la música barroca de clave francesa a un alto grado de refinamiento. La forma compositiva predominante en Francia fue la suite para teclado, que reunía una serie de piezas básicas (alemanda, courante, zarabanda y giga), cuyo origen estuvo en danzas variadas de ritmos binarios (alemanda) o ternarios (zarabanda) que alternan tiempos vivos y pausados.

La siguiente generación, que desarrolló su música entre finales del siglo XVII y principios del XVIII, siguió cultivando la suite pero adoptó influencias italianas y alemanas. Con ella el clave francés llegó a su máxima expresión, con dos nombres que figuran entre los más grandes compositores de la música culta occidental, tales son François Couperin (1668-1733) y Jean-Philippe Rameau (1683-1764). En su órbita se situó una importante nómina de compositores para el clave: Louis Marchand, Charles Dieupart, Louis-Nicolas Clérambault, Gaspard Le Roux, Jean-François Dandrieu, Élisabeth Jacquet de la Guerre, Joseph Nicolas Pancrace Royer o Nicolas Siret.

François Couperin compuso sus cuatro libros de suites entre 1713 y 1731. Se caracterizan por prestar una atención especial a la ornamentación. En tanto, la obra de Jean-Philippe Rameau presenta aspectos más variados. Sus tres libros de suites aparecieron en 1706, 1724 y 1728. Después de esta fecha, sólo compuso para el clavecín solista una pieza aislada, La Dauphine (1747). Alterna en ellos piezas en la más pura tradición de la suite francesa con piezas imitativas, como «Le Rappel des Oiseaux» o «La Poule», y de descripción emotiva, cual son «Les tendres Plaintes» o «L'entretien des Muses». Muchas de ellas ofrecen un virtuosismo a la italiana. La invención y los efectos sorprendentes son en ellas notables, como se puede observar en «Les Tourbillons» y «Les trois Mains». En otras se aplican sus innovadores teorías musicales, como sucede en «L'Enharmonique» y «Les Cyclopes». Wikpedia

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Clavecín en Inglaterra

El primer gran compositor de la escuela inglesa es William Byrd (1540-1623), uno de los músicos de teclado más importante de todos los tiempos.

Le suceden John Bull, Giles Farnaby, Peter Philips y Orlando Gibbons. La escuela decae entre 1620 y 1630 y no aparecerá un compositor notable hasta la Restauración inglesa de 1660, en que descuella uno de los más importantes músicos del siglo XVII: Henry Purcell (1658-1695), ya plenamente barroco. Purcell compone, fundamentalmente para virginal, 62 piezas variadas de tipo italiano y francés, que incluyen fantasías, tocatas y diversas piezas de suites.

Entrado el siglo XVIII, destaca la obra de William Croft, quien inaugura la última etapa del clave barroco inglés.

Entre 1712 y 1759, la música para teclado en Inglaterra alcanza su techo y comienza su ocaso tras la obra de Händel, alemán de origen pero que compondrá mucha de su música en las islas británicas. Sin embargo, su obra es ecléctica y no puede adscribirse de modo característico a la producción de la escuela para tecla inglesa. Händel es estricto contemporáneo de Bach y Domenico Scarlatti —curiosamente los tres nacen el mismo año— y bastante cercano en el tiempo a la trayectoria de François Couperin y Jean Phillippe Rameau. Su obra, por tanto, recibe el influjo tanto germánico como italiano y francés. Las más conocidas de sus composiciones para clave son las colecciones de grandes suites (HWV 426-433 y HWV 434-438) y las seis fugas (HWV 605-610). Wikipedia

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La edad de oro : el Barroco (1600-1750)

El clave goza cada vez de más popularidad y reconocimiento, y tras las contribuciones de Cabezón y Valente, los virginalistas ingleses y el holandés Jan Pieterszoon Sweelinck, entre finales del siglo del siglo XVI y 1630, abrirán una época importante en la música para clave, que abarca todo el Barroco, desde 1600 hasta 1750, y reunirá un nutridísimo corpus de obras compuestas por músicos de toda Europa.

Pero el instaurador de las formas clásicas para el clave barroco europeo es, sin duda alguna, el italiano Girolamo Frescobaldi (1583-1643), que estableció un repertorio de tocatas, caprichos, fantasías, ricercare (nombre genérico para cualquier pieza contrapuntística) y variaciones o diferencias virtuoso para el clavicémbalo a solo en la primera mitad del seicento. Siguiendo su estela e influidos por él surgen las escuelas del clavecín barroco en la segunda mitad de su mismo siglo XVII. Inglaterra (con Henry Purcell, Alemania (con la personalísima música de Johann Jakob Froberger o Francia, si bien en el caso francés se mantuvo una tradición propia en el XVII que, sin embargo, adoptó finalmente la influencia italiana a fines de ese siglo y en la primera mitad del XVIII.

Un caso excepcional es el de Domenico Scarlatti, que nace en 1685 en el Reino de Nápoles perteneciente por entonces a la Monarquía Hispánica. Tras sus primeras sonatas italianizantes, adopta un estilo fuertemente influido por los modos arabizantes y el sentido del ritmo muy marcado de la música popular española. Todo ello le llevó a crear un variado y original de sonatas bipartitas para clave que suponen uno de los grandes monumentos a las posibilidades virtuosas y al desarrollo de la composición de este instrumento. Wikipedia

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Los comienzos: Medioevo y Renacimiento (siglos XIV-XV)

El interés en componer música específica para el instrumento se remonta a la Edad Media, etapa de la que datan manuscritos anónimos con obras para teclado solista. El interés por instrumentos cercanos, como el clavicordio, el clavicémbalo, el virginal o la espineta, irá creciendo hasta el Renacimiento tardío, en que aparecen los primeros grandes compositores en el ámbito de la música de teclado. Los españoles Antonio de Cabezón (1510-1566) y Antonio Valente (1520?-1580?), junto con los virginalistas ingleses de entre 1560 y 1600, escriben las obras más interesantes de la música renacentista para este instrumento de cuerda pulsada mecánicamente. Poco después, la música para tecla de Jan Pieterszoon Sweelinck (1560-1621) emprende la transición hacia el Barroco temprano. Wikipedia

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El clave en la música académica europea

El clave ha tenido un importante papel en la música académica europea desde el siglo XVI hasta el XVIII y, después, en el siglo XX, ya sea como solista, como acompañante o a solo, teniendo su edad dorada en el Barroco, para después caer en el olvido en el Romanticismo y resurgir con fuerza en el siglo XX.

Las aportaciones de músicos italianos, como Girolamo Frescobaldi, alemanes, como Johann Jakob Froberger y Johann Sebastian Bach, franceses, cual François Couperin o Jean-Philippe Rameau, y Domenico Scarlatti que compuso la mayor parte de su obra para teclado en España, creando una escuela propia entre cuyos seguidores figuran autores como Sebastián de Albero o Antonio Soler, crearon un repertorio clásico para este instrumento durante los siglos XVII y XVIII. Wikipedia

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Clavecín

Probablemente derivó del salterio griego (psalterion).

Mecanismo de martinete de un clave

Su estructura básica es uno o dos teclados o manuales, en los cuales, al presionar cada tecla, una púa de pluma de ganso, de cuervo o cóndor (llamada plectro), que se encuentra en una pequeña estructura de madera llamada martinete o saltador, eleva la cuerda correspondiente, punzándola. Esto produce un sonido determinado (nota). El volumen del instrumento no varía, al menos perceptiblemente, según sus teclas se opriman suave o fuertemente, sólo se consigue un cambio de volumen agregando registros o acoplándolos. El arte de ornamentar una línea melódica permite también sugerir efectos dinámicos.

El clave, muy conocido y utilizado durante el Barroco, fue cayendo en el olvido, y la mayoría de las piezas escritas para él empezaron a ser interpretadas en el nuevo pianoforte, antepasado de nuestro piano moderno. Como su nombre indica, éste permite cambios de volumen con sólo variar la intensidad de pulsación de las teclas.

A fines del siglo XIX y principios del siglo XX, el instrumento fue revivido, en parte, gracias a la pianista y clavecinista Wanda Landowska, quien fue la primera profesora del instrumento en tiempos modernos (en la ciudad de Berlín), y no sólo interpretó antiguas obras escritas para el instrumento, sino que también encargó obras nuevas a diferentes autores, entre ellos el compositor español Manuel de Falla.

Landowska no se interesó en el sonido de los claves antiguos, sino que propició la construcción de claves modernos, con estructuras derivadas de la construcción del piano.

Con los excelentes progresos de restauración y fabricación de copias de los instrumentos antiguos (como en el caso de Frank Hubbard), desde hace más de cuarenta años ha resurgido el interés por el clave histórico. La claridad de su timbre y exquisita riqueza en armónicos lo hacen irremplazable para la ejecución de música polifónica.

El clave tiene variantes más pequeñas, como la espineta y el virginal, que no deben confundirse con el clavicordio (en inglés clavichord). Wikipedia

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Diferentes tipos de charango

Su cuerda vibrante usualmente es de 37cm. Tamaño regular. Por lo general está encordado con cuerdas de nylon. Afinación: temple natural.

Chango

Posee 12 cuerdas de nylon, Es hecho con madera laminada. Dispone de dos afinaciones: Temple Diablo y Temple Natural, Originado en Bolivia por los hermanos Shuarscov. Es más grande que el Charango tipo, tiene un tamaño total de unos 72-78 cm sus cuerdas miden entre 42-48 cm.

Walaycho

Denominación usada en Bolivia para un charango más pequeño que el charango tipo, hecho de madera ahuecada o de armadillo. Cuerda vibrante menos de 30 cm, cuerdas de metal. Afinación: temple diablo.

Chillador

Chillador es el nombre usado en el sur del Perú para un charango más pequeño que el charango tipo, hecho de madera lamindada (no ahuecada) o de armadillo. Cuerda vibrante menos de 30 cm, cuerdas de metal. Afinación: temple diablo. El chillador lleva de 12 cuerdas de metal en cinco órdenes, el segundo y cuarto orden lleva tres cuerdas cada uno.

Ronrroco

Desarrollo de los hermanos Hermosa de la agrupación Los Kjarkas de Cochabamba, Bolivia. Charango grande de aproximadamente 80cm de tamaño total y de cuerda vibrante de hasta ca. 50cm. Afinación temple natural pero una octava más baja y con los órdenes cuatro y cinco octavados. También se le llama Ronroco, principalmente en Argentina y Chile, al charango afinado cinco semitono más grave que el charango estándar del temple natural B-E-B-G-D.

Sonko Charango

Charango grande del porte de un ronrroco, con 13 y también más cuerdas. Diferentes afinaciones. Desarrollo nuevo que empezó en los años setenta, de Gerardo Yañez. [6]Como su nombre lo indica, tiene forma de corazón (Sonko = Corazón en Quechua).

Khonkhota

Se trata de un instrumento rústico de las regiones rurales de los departamentos de Potosí (norte), Oruro y Cochabamba. Su caja de resonancia está hecha en madera laminada. Tiene solamente 5 trastes. El tamaño total es ca. 90cm, la cuerda vibrante ca.65cm. Lleva 8 cuerdas en 5 órdenes de cuales el segundo y tercero consisten de una sola cuerda. De los órdenes de doble cuerda dos de los tres, o ninguno está octavado. Una de varias afinaciones: mi - la - re - si - do

Charango Mediano o "Mediana"

La mediana es un charango chuquisaqueño de las regiones rurales. Existe en varios tamaños entre 50cm y 95cm de tamaño total con la cuerda vibrante entre 33cm hasta 65cm. La mediana normal (tamaño grande) está afinada en temple natural pero una octava más baja que el charango tipo. Las dos cuerdas del tercer orden están afinadas una octava más baja que el primer orden.

Charango Vallegrandino

De Vallegrande, Bolivia. Cuerda vibrante ca. 33cm, tamaño total ca. 50 cm 6 cuerdas. 4 órdenes. El primer y cuarto orden están con cuerdas simples. Afinación: la - mi - do - sol

Charango Ayacuchano

Charango laminado (tipo guitarra) con 6 cuerdas en 5 órdenes. Por lo general es más pequeño que el charango tipo El tercer orden está octavado, los demás órdenes son de una sola cuerda. La afinación corresponde al temple natural.

Charango de Moquegua

20 cuerdas. 5 órdenes con cuatro cuerdas cada uno, el tercer orden está octavado.

Charango Bajo

Su Tamaño es de 1,55 m, la cuerda vibrante de 87 cm y la altura de 82 cm. Su gran caja de Resonancia es de madera laminada y posee 6 cuerdas (1 primera, 1 segunda, 2 terceras, 1 cuarta y 1 quinta). Su afinación es Si'- Mi - Si-Si' - Sol - Re (Afinación en Mi) escrita en clave de Fa. Wikipedia

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Afinación del charango

Las afinaciones de los diferentes charangos no son algo fijo, según la región y el ejecutante pueden variar.

  • La afinación más difundida es el temple natural: mi - la - mi - do - sol. Las cuerdas del tercer orden están octavadas entre sí.
  • Sobre todo para walaychos y chilladores se emplea el temple diablo: si - mi - si - sol - re, con ninguna cuerda octavada.
  • El Ronrroco se afina de diferentes maneras. Una es mi - la - mi - do - sol con los pares de cuerda do y sol octavados cadauno, mientras la cuerda grave de cada uno de estos dos pares puede ser la primera o la segunda. Wikipedia
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Partes del charango

Mástil

Está hecho de madera. Muchos Luthieres de charango, para el mástil prefieren la madera mara

por ser liviana y muy resistente a cambios climáticos.


Está hecho de madera. Según el modelo el clavijero está hecho para clavijas verticales (de madera o de metal) u horizontales (de metal).


Existen charangos con clavijas de metal (mecánicas) y también de madera. Sobre todo en áreas rurales, por razones económicas se ve mucho los charangos con clavijas de madera. Pero también en estas regiones, quien puede se compra clavijas de metal que por lo general facilitan la afinación precisa del charango. Para fabricar clavijas de madera de calidad equivalente a esta de las de metal se necesita herramientas muy caras (varios cientos de dólares en el año 2007). Casi no se encuentran charangos con clavijas de madera de esta calidad superior.


Tradicionalmente las cuerdas del charango eran de tripa. Por razones económicas se empezaba a usar cuerdas de metal, a partir de los años cincuenta también cuerdas de nylon. Existen tipos de charango con cuerdas de metal y cuerdas de nylon mixtos. Wikipedia

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Caja acústica del charanco

Hay varios tipos de cajas como la de armadillo, de madera ahuecada, de madera laminada. Tradicionalmente estaba hecha con el caparazón de un quirquincho (especie de armadillo típica de la zona altiplánica de Oruro y Potosi, Bolivia hasta Puno y Cuzco, Perú), pero exploraciones acústicas y consideraciones acerca del cuidado del armadillo que está en peligro de extinguirse han dado auge a la madera.

  • Armadillo: El caparazón del armadillo (quechua: quirquincho) sirve de caja de resonancia para charangos de diferentes regiones andinas, hoy día se encuentra este tipo de charango sobre todo en la región Norte Potosí y Oruro (Bolivia) pero también existe en el Perú. El Armadillo es una especie en proceso de extinguirse y la exportación de productos de armadillo está prohibido.
  • Madera ahuecada: caja redonda como la del quirquincho pero hecha de madera dura o semidura. A veces los artesanos adornan la caja con tallados preciosos. Se fabrican charangos de madera ahuecada de una sola pieza, o sea caja, mástil y clavijero ya no son partes separadas.
  • Madera laminada: charango creado en Perú consiste en una caja construida de manera idéntica a de la guitarra.

Para la construcción del charango se emplea diferentes maderas, algunas son: alerce, algarrobo, caoba, carejeira, cedro, mara, naranjillo, nogal, palosanto, petereby, raulí. Wikipedia

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Características del charango

Por lo general el charango tiene cinco ordenes doble, es decir cinco pares de cuerdas aunque en Perú en la zona de Ayacucho se estila 4 ordenes simples, los dos de cada extremo, y uno doble que es el del medio. Los de caja cavada o laukeado son mas comunes en la zona de Bolivia mienstras que enPerú son laminados comunmente se dice que se parece a una pequeña guitarrilla.

Pero por la inmensa variedad de tipos de charango no se puede generalizar las características de construcción.

En Bolivia, desde los años sesenta del siglo XX, se han vuelto popular sobre todo tres tamaños: el walaycho (50 cm), el charango (60 cm), y el ronrroco (75 cm). Otros tamaños se dan como variaciones regionales, o debido a experimentos acústicos de ciertos intérpretes. Variaciones en tamaño van de la mitad de un walaycho hasta el de una guitarra española. En Bolivia, los artesanos del charango han desarrollado un gran número de diseños que varían de la esbelta forma en 8 hasta modelos estilizados y angulares, e incluso han desarrollado modelos similares a la guitarra eléctrica.

En el Perú, tanto como en Bolivia existe una gran variedad de tipos de charango y en las áreas rurales, se encuentran también charangos fabricados de calabazas, variados números de cuerdas, diferentes tamaños y formas. En Lima donde se dan también las manifestaciones culturales de todo el país, este instrumento es muy utilizado tanto en el folclore nacional como en grupos y orquesta de música moderna.Wikipedia

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Charango

El charango es un instrumento musical vigente en las regiones altiplánicas de la Cordillera de Los Andes en América del Sur. Posee cinco pares de cuerdas aunque hay variaciones con menos o más cuerdas pero (casi) siempre en cinco órdenes o juegos. El charango tiene una trayectoria centenaria en Bolivia y el Perú,[1] y también tiene importante presencia en la música de Argentina, Chile, y Ecuador.

En las portadas de varias iglesias del siglo XVIII del departamento Potosí (Bolivia), y otros lugares de lo que hasta 1825 era Real Audiencia de Charcas, así como también en la catedral de Puno[2] (Perú) existen sirenas esculpidas tocando pequeños cordófonos que probablemente ya fueron denominados charango en esos tiempos. Por primera vez apareció este instrumento musical en un documento escrito en el año 1814 cuando un clérigo de Tupiza (departamento de Potosí, Bolivia) mencionó "unos guitarrillos muy suyos, que por acá llaman charangos".

Hasta los años cincuenta del siglo XX aparentemente el charango nuevamente casi solamente se tocaba en las regiones rurales, por los citadinos muchas veces despreciadamente considerado de "instrumento de indios". A partir del año 1944 el Boliviano Mauro Nuñez, primero en Lima y más adelante en Bolivia y Argentina, empezó a no solamente divulgar la música folclórica con charango sino de renovar la música de charango, creando un estilo propio que ha dejado sus huellas profundas en la música andina hasta hoy día. Era él quien por primera vez, y por siempre ha llevado el charango a las salas de concierto. Mauro Núñez también se dedicó a la construcción charangos, gracias a él se ha estandarizado el "charango citadino" como lo conocemos hoy.



Francisco Gómez Negrón, famoso Qorilazo con indumentaria e instrumentos típicos fotografiado por Martín Chambi en 1930.

A partir del año 1950 Jaime Guardia [1] empieza a difundir la música de charango de Ayacucho en el Perú con mucho éxito.

En los años cincuenta y sesenta se empieza a popularizar el charango en Argentina, Chile y, por migrantes también en Francia y otros países europeos.

A partir de los años sesenta, músicos y grupos como por ejemplo de Argentina y el Perú Jorge Milchberg y los hermanos Arguedas, y de Bolivia Ernesto Cavour[2] con Los Jairas, William Ernesto Centellas[3], Eddy Navía y muchos otros, con sus giras llevan la música del charango a todo Europa, los Estados Unidos y Japón.

En La Paz, el 6 de abril de 1973 bajo la iniciativa fundamental de William Ernesto Centellas[4] contando con la colaboración de Abdón Caméo y Ernesto Cavour Aramayo[5], fue constituida la Sociedad Boliviana del Charango que desde 1997, cada dos años organiza el Congreso Nacional del Charango, junto al evento Encuentro Internacional de Charanguistas.


Popularmente se conoce como la cuna del charango al departamento de Potosí, Bolivia, mientras que hoy en día la capital de este instrumento está en la población de Aiquile, en Cochabamba, Bolivia, debido a que en ese lugar se realiza el festival de charango más importante del mundo. Wikipedia

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Cítara

La cítara es un instrumento de cuerdas perteneciente a la familia de los Instrumentos de cuerda pulsada.

También se denomina así a un antiguo instrumento de cuerdas metálicas punteadas, afinadas de a pares (como el laúd) pero con la parte posterior plana como la guitarra. (Justamente el nombre guitarra proviene de cítara). Un nombre más antiguo es el italiano cítole (a pesar de que D. G. Rossetti en su poema "La doncella elegida" infiere que son instrumentos diferentes). Otra designación inglesa como gittern aparentemente no se refiere a la cítara sino que es un antiguo nombre inglés de la guitarra (u otro instrumento muy parecido).

La cítara también es un instrumento de cuerda que se sostiene sobre las rodillas, en una mesa y que se puntea. Algunas cuerdas pueden ser pisadas (como en la guitarra actual) y otras tienen altura fija y son usadas para acompañamiento. Es un instrumento folclórico de Europa Central. El tema fílmico de El tercer hombre, compuesto e interpretado por Anton Karas, es una de las composiciones escritas originalmente para cítara más famosas de todos los tiempos.

(No confundir con el sitâr, con un largo mástil y un número variable de cuerdas que pertenece a un grupo diferente, el de los laúdes).

Modernamente tiene forma trapezoidal y el número de sus cuerdas varía de 20 a 30. Se toca con una púa. Es de un tamaño superior al violín aunque existen diversos tamaños.

Como dato curioso, cabe apuntar que este instrumento fue dado a conocer en Venezuela por distintos fabricantes, solo como instrumento de aprendizaje musical, recibiendo el nombre comercial de Arpa Viajera, término atribuído al músico y compositor venezolano Hugo Blanco.

Yuri Landman creado la Moodswinger, una cítara eléctrica resonante de 12 cuerdas con un tercer puente. Wikipedia

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Historia del címbalo

La primera representación de un cordófono de percisión simple que se categoriza como un dulcémele de mazos puede encontrarse en el bajo relieve Asirio en Kyindjuk, aproximadamente por el año 3500 AC. Los pueblos de todo el Mediterráneo tenían este instrumento, al igual que muchos pueblos en Asia, pero, lo denominaban con nombres diferentes.

El mazo del dulcémele folklórico fue tomado por V. Josef Schunda, un experto fabricante de pianos que vivía y trabajaba en Pest, Hungría, como base para un címbalo de concierto, ideó la producción en serie en 1874. El primer libro de texto para este instrumento fue publicado por Geza Allaga, un miembro de la orquesta de la Real Ópera húngara en 1889.

El instrumento se hizo popular en el Imperio austrohúngaro y fue utilizado por todos los grupos étnicos en el país, incluyendo a judíos klezmorim, así como los músicos eslavos y magiares (húngaros), y los romaníes (gitanos) y los músicos lautari (lăutari). El uso de este instrumento se extendió a finales del siglo XIX y sustituyó a la kobza en los conjuntos folklóricos rumanos y moldavos. En Valaquia se utiliza casi como un instrumento de percusión. En Transilvania y Banat, el estilo de tocarlo es más tonal, con arpegios pesados. Wikipedia

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Címbalo húngaro

El címbalo (también conocido como címbalo húngaro) es un instrumento musical que tiene un origen un tanto incierto. Se cree que el pueblo gitano lo llevó a Europa oriental aproximadamente en el siglo XIII. Es muy utilizado en la música de países como Hungría, Rumanía, Eslovaquia, Ucrania, etc., y en la música persa iraní, donde se le conoce como santur.

Es un instrumento de cuerda, y se toca con un par de mazos en ambas manos, golpeando las cuerdas para hacerlas sonar. Es una especie de salterio pero de mayor tamaño, aunque también los hay portátiles. Wikipedia

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Historia de la bandurria

Una de las teorías existentes sobre la bandurria data el origen de este instrumento en torno al 400 d. C. Para éstos, la bandurria deriva de la pandura romana (que a su vez proviene del pan-tur sumerio). También lo adaptaron a su vida cotidiana la civilización babilónica, cuando entraron en contacto con los egipcios, que estos a su vez la habían heredado de los romanos.

La pandura romana fue exportada por los romanos a todos los países del sur de Europa). Al producirse el contacto entre estos pueblos mediterráneos con la civilización árabe y bereber, la pandura se fusionó con el qupuz árabe y el carara bereber, dando lugar a los primeros pasos de la bandurria.

En Europa este instrumento sólo lo encontramos en España. En especial forma parte del folclore aragonés, castellano, murciano, extremeño, en partes de Andalucia, en Navarra, Valencia, Baleares y también de amplia difusión en Canarias.

Durante la colonización de América se difundió la bandurria por el Caribe hasta el Perú; en este viaje fue objeto de muchas variantes, como el laúd cubano o la bandola. También se implantó bajo influencia española en las Filipinas.

La bandurria tenía al principio tres cuerdas, que pasaron a ser cinco dobles en el siglo XVIII. A estas diez cuerdas, a mediados de siglo, se le añadió una nueva cuerda doble, la más grave.

Durante el siglo XIX la bandurria varió su forma, dando origen a la bandurria actual, la que hoy por hoy conocemos. Wikipedia

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Bandurria

La bandurria es un instrumento de cuerda pulsada y pertenece a la familia del laúd español, no del laúd del Norte de Europa.

La familia de este instrumento español es la familia del laúd español-bandurrias. En esta familia aparecen cinco instrumentos (bandurria soprano, bandurria contralto, bandurria tenor, bandurria bajo y bandurria contrabajo). A la bandurria tenor también se le llama laúd, pero realmente es un nombre popular. Se le llamaba nuevo laúd a principios del siglo XX porque sus formas y sonido quería recordar a aquel instrumento del Barroco, pero realmente no pertenecen a la misma familia de instrumentos. La bandurria tenor tiene una forma muy similar al laúd, pero con el mástil más corto y el cuerpo más redondeado, aunque el fondo del instrumento, como en la guitarra, es plano, al igual que el del laúd y a diferencia del laúd barroco, con el que no tiene parentesco, que está abombado.

Se toca con púa de concha o de cuerno, aunque en la actualidad se utilizan púas de PVC que tienen distintos grosores.

Las púas se trabajan para dejarlas con una forma próxima a un triángulo equilátero; de este modo se pueden aprovechar las tres puntas, pero teniendo siempre la misma sección de púa apoyada entre los dedos, de esta manera no importa qué punta se utilice. A esta púa se le llama plectro.

Tiene doce cuerdas (seis pares): seis de tripa y seis entorchadas, aunque las bandurrias modernas suelen montar los dos primeros pares metálicos y los cuatro últimos pares entorchados.

Su afinación más habitual, del primer al sexto par, es la-mi-si-fa#-do#-sol#. Normalmente la 6ª cuerda (sol#) se suele afinar en sol natural, de manera que las posibilidades del repertorio aumentan considerablemente, debido a que se pueden adaptar obras pertenecientes a la mandolina.

Se usa en coros y en música popular. Es imprescindible en una tuna universitaria y en orquestas de pulso y púa. A pesar de lo que se piensa de forma generalizada, también se emplea para interpretar música académica.

Actualmente este instrumento está despegando de la oscuridad y cada día se ve que se está ganando un puesto entre los instrumentos "tradicionales" gracias al trabajo de los profesionales que crean obras para estos instrumentos o realizan estudios para facilitar el aprendizaje del mismo. Wikipedia

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Teorías sobre el origen de la balalaica

1- Una creencia popular es que los tres lados y secuencias de la balalaica representan la Santa Trinidad. Históricamente en Rusia tocar la balalaica ha estado prohibido en varias ocasiones, debido a su uso por los skomorokhi (bufones), que resultaban altamente irritantes para la iglesia y el Estado. Los instrumentos musicales no se permiten en la liturgia ortodoxa rusa.

2- Una razón más probable de la forma triangular la da el escritor e historiador Nikolai Gogol en su novela inacabada “Almas muertas”. El autor indica que la balalaica fue creada por campesinos a partir de una calabaza. Si se cuartea una calabaza, ésta adopta una forma de balalaica.

3- Con anterioridad al Zar Pedro el Grande, los instrumentos no estaban permitidos en Rusia. Cuando Pedro los permitió, sólo los constructores de barcos sabían trabajar con madera. La forma de la balalaica se asemeja en parte a la proa de un barco, si se sostiene horizontalmente.

A finales del siglo XIX, un noble ruso, Vassily Vassilievich Andreyev, emprendió un proyecto para estandardizar la balalaica para su uso en la orquesta. Andreyev, y el fabricante Nalimov de muebles, desarrollaron los tamaños múltiples de la balalaika que hoy existen. Adaptó muchas canciones y melodías populares rusas tradicionales para orquesta, y también compuso numerosas obras de cosecha propia.

Andreyev también recuperó otros 2 instrumentos rusos perdidos hace mucho tiempo:

  • El domra
  • El gusli . Wikipedia

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Balalaica

La balalaika (en ruso: балалa´йка) es un instrumento musical ruso de cuerda de la familia de cuerdas punteadas de la familia del laúd. Tiene un cuerpo triangular, casi plano, con una pequeña boca de resonancia cerca del vértice superior de la tapa, un mástil largo y estrecho y tres cuerdas de metal o tripa que suelen pulsarse con los dedos (algunas veces se utiliza un plectro de piel para las cuerdas metálicas).

Se construye en seis tamaños, desde el piccolo al contrabajo, y se desarrolló en el siglo XVIII a partir de la parecida domra o dombra del Asia central y Siberia. Dos de las cuerdas de la balalaica se afinan al unísono y la tercera a una distancia de cuarta; por ejemplo, la balalaica más importante, la soprano o prima, se afina en mi4, mi4 y la4. Wikipedia

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Contrabajo de balalaica.

Arpa de la tumba de Any

El Arpa de la tumba de Any, es un instrumento que data del año 1550-1069 a. C., en época del Imperio Nuevo de Egipto.El arpa fue hallada en el interior de la Tumba de Any, (antiguo Escriba Real, escriba de ofrendas de Atón y además Administrador del Estado de Amenhotep II, séptimo faraón de la Dinastía XVIII de Egipto que reinó del 1427 a 1401 a. C), y que está situada en la antigua ciudad de Tebas.
  • Forma: Arpa con forma de cuchara.
  • Material: madera con inscrustaciones de loza y hueso.
  • Largo: 97 centímetros.
  • Anchura: 12 centímetros.
  • Diametro: 9 centímetros. Wikipedia
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Hallazgo e historia del Arpa de ur

En 1929 durante unas excavaciones llevadas a cabo por el arqueólogo británico Leonard Woolley, en las "tumbas reales de Ur", fueron halladas cuatro liras. Dos de ellas formaban parte del ajuar funerario situado en la tumba de la reina Puabi, que forman parte de las ruinas de la antigua ciudad sumeria de Ur, ubicadas cerca de la ciudad de Tell el-Mukayyar, a 16 km de Nassiriya, en Iraq.

El "Arpa Dorada" o "Arpa del Toro" está considerada la más elegante, y fue guardada en el Museo Nacional de Iraq hasta el año 2003, cuando fue practicamente destruida durante la invasión. Una réplica fue reconstruida gracias a la ayuda internacional y la colaboración de entidades como la Universidad de Loughborough, o el instituto West Dean College. Del arpa original fue recuperada la cabeza de toro.[1] [2]

El "Arpa de la Reina" fue una de las dos halladas junto a la reina Pu-abi, y se conserva en el Museo Británico.[3]

Un arpa en forma de barco y otra con una cabeza de toro de oro (similar a las de la reina) se guardan en Museo de Arqueología y Antropología de la Universidad de Pennsilvania.[4 Wikipedia

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Arpa de Ur

Las Arpas de Ur, también llamadas Liras de Ur, están consideradas como los instrumentos de cuerda más antiguos. Datan del año 2400 a. C. y fueron elaborados en época de la civilización sumeria, que se considera la primera y mas antigua civilización de la historia, que se extendió por el sur de Mesopotamia, en la zona de los ríos Tigris y Eufrates, (actual Irak) concretamente forma parte del Período Dinástico Arcaico, un período arqueológico de la historia de Mesopotamia comprendido entre el 3000 a. C. y 2334 a. C. Wikipedia

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Orígenes del nombre arpa de boca

"Arpa de boca" deriva, casi sin dudas, de dos hechos: el instrumento posee un arco que recuerda al marco de un arpa y, como esta, debe ser tañido digitalmente. Recibe muchos otros nombres regionales, por ejemplo: "trompa gallega". En cuanto a "birimbao", casi sin dudas deriva del nombre de otro instrumento muy diferente en estructura, el berimbau, aunque con una sonoridad algo semejante.

Se puede encontrar en muchas regiones del mundo por haber sido llevados en la antigüedad por viajantes, colonos y conquistadores. Ejemplos son Italia, en Sicilia, Mongolia, Austria y diversas regiones montañosas de Europa, como también en América, donde se lo usó antiguamente en el norte de Brasil, en la región norte de Argentina por las comunidades tobas y wichís del Chaco, y sigue presente en las comunidades originarias mapuches, tanto del lado chileno como del argentino Wikipedia

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Arpa de boca

Un arpa de boca, también denominado birimbao, berimbao, guimbarda, arpa judía o trompe, es un instrumento musical idiófono pequeño y bastante simple. Consta de un arco metálico (en el sudeste asiático este arco o armadura suele ser de bambú) con una lengüeta de acero en el medio. La forma de todo el instrumento recuerda a una φ. Usualmente la escotadura se sostiene con la boca del músico, y la cavidad bucal hace de caja de resonancia.

En la actualidad la mayoría de las arpas de boca poseen una especie de pequeña palanca aplicada perpendicularmente sobre la parte superior de la lengüeta, lo cual facilita su tañido con un dedo, usualmente el índice.

Su sonido es grave y monocorde, y en muchas ocasiones se usa como diapasón. Wikipedia

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Artistas del Arpa

En la música pop, el arpa aparece rara vez. Joanna Newsom y Dee Carstensen son cantautoras y artistas. Un arpista de pedal, Ricky Rasura, es miembro de la banda de "pop sinfónico" The Polyphonic Spree, y la islandesa Björk a veces introduce arpa acústica y eléctrica en su obra, a menudo tocada por Zeena Parkins. Art in America fue la primera banda de rock que usó arpa a pedal en una grabación importante, y sólo publicó un álbum, en 1983. El arpa de pedal estaba también presente en el concierto de Michael Kamen y Metallica, S&M como parte de la Orquesta sinfónica de San Francisco. Algunos artistas que siguen la línea de un pop céltico como Clannad y Loreena McKennitt incluyen arpas folclóricas en su obra, siguiendo el trabajo de Alan Stivell. Destacable también es el caso de Enya, que usa el arpa, además de otros instrumentos como el contrabajo pulsado, en sus composiciones de música, tanto New Age como música celta. En lo que respecta a la música latinoamericana y mundial destacan con el arpa Hugo Blanco,Carlos Metralleta Orozco, Henry Rubio y Juan Vicente Torrealba. En el Arpa Eléctrica podemos nombrar al joven argentino Athy, Arpista Contemporáneo &Compositor , quien esta re-inventando la historia del arpa en su país de la mano de un genero musical original y una estetica sumamente alejada del concepto estetico que se le suele asociar al arpista, siendo el único exponente de arpa eléctrica de Argentina, lo consagra a nivel internacional como uno de los arpistas de la nueva generación de jóvenes músicos. Wikipedia

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El arpa en la música

El arpa se usa ampliamente en la música académica, normalmente para efectos como el glisando o los arpegios. En la ópera italiana y alemana se usa para áreas románticas y bailes, como el "Vals de Musetta" en La bohème. Compositores franceses como Claude Debussy y Maurice Ravel compusieron conciertos para arpa y música de cámara que se siguen interpretando. Durante el siglo XIX, el compositor y arpista francés Nicolas Bochsa compuso cientos de piezas de todo tipo (transcripciones de ópera, música de cámara, conciertos, óperas, métodos para el arpa). Los arpistas del siglo XX Henriette Renié y Marcel Grandjany compusieron muchos solos y piezas de cámara que figuran en el repertorio de arpa. Los compositores modernos utilizan el arpa con frecuencia porque los pedales de un arpa de concierto permiten toda clase de escalas y sonidos con efectos, aunque algunas piezas modernas requieren mucho uso del pedal. Alice Coltrane es conocida por introducir este instrumento en las bandas de jazz.

En Latinoamérica, el arpa es un instrumento que se utiliza en la música típica de varios países, entre ellos, Chile, México, Paraguay, Colombia, Perú y Venezuela. En Venezuela el ritmo es el joropo.

El arpa paraguaya, entre las demás arpas de latinoamerica, es la que más evoluciono tanto en su construcción y por consecuencia en la sonoridad. La música más representativa del arpa paraguaya es el Pájaro Campana de autor anónimo, arreglos de Feliz Pérez Cardozo, cuyo ritmo es la polka paraguaya. Wikipedia

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Aparición del arpa de orquesta

El arpa medieval era diatónica, y el arpa moderna, por el contrario, nació con los primeros intentos de cromatismo que la evolución de la música occidental exigía. Los primeros intentos surgieron de los talleres de luthiers irlandeses en el siglo XVI, que proveyeron al arpa de una doble fila de cuerdas. En el siglo XVII se incorpora una tercera fila, la 1ª la 3ª fila eran diatónicas (29 cuerdas cada fila) mientras que la 2ª fila, con 20 cuerdas, estaba reservada para los semitonos.

A mediados del XVII unos constructores tiroleses inventaron el arpa de ganchos, con los cuales era posible estirar la cuerda y subirla un semitono. En esta época fueron muchos los mecanismos incorporados para subir el tono, pero todos accionados manualmente, por lo que debía hacerse antes de empezar la interpretación.

A finales del XVII, un luthier bávaro fabricó la primera arpa con pedales que, situado a ambos lados del soporte del instrumento, estaban unidos a los ganchos fijos de la consola mediante un sistema de transmisión. Eran 7 los pedales, correspondientes a los 7 grados de la escala musical, y para cuyo instrumento Mozart escribió su concierto para “flauta y arpa” en 1778. A raíz del descubrimiento se inspiraron numerosas ideas a cual más estrafalarias para ampliar las posibilidades del arpa (como fue la colocación de doble número de pedales y sordinas), pero el mayor éxito lo obtuvo S. Erard en 1811. Erard presentó el modelo llamado de “doble acción” que, con ligeras modificaciones posteriores, es la que se usa normalmente en la actualidad.

Los pedales se hallan unidos a unos listones de acero que se introducen en la columna, estos terminan en un mecanismo situado en la consola que, a su vez, está formada por varias capas de sicomoro y serbal. Dicho mecanismo, muy elaborado, lleva dos sistemas de horquillas, discos provistos de tornillos ajustables entre los cuales pasa la cuerda. Cuando un pedal –llamado de doble acción– se suelta (posición de reposo en la muesca superior), la cuerda pasa libre entre los tornillos (bemol); enganchado en la muesca intermedia, el pedal imprime a los discos una revolución parcial que produce el 1ª semitono (becuadro); enganchado en la muesca inferior, el pedal provoca la continuación del movimiento, lo cual da lugar al 2ª semitono (sostenido). Cada uno de los 7 pedales actúa sobre todas las octavas de una misma escala, pudiendo ser accionado dos veces, subiendo sucesivamente un semitono en todas las notas de la misma tonalidad.

Ahora el número de cuerdas se eleva a 47 y son de clases diferentes. Hay 26 en el registro medio que son de tripa de carnero, 10 ó 11 en el registro agudo que son de nylon, en tanto que las 12 restantes son de alpaca o cobre (entorchadas en acero) para el registro grave. La extensión es de 6 octavas y media (de C 1 (alterable mediante afinación manual) a G# 6): esta es la extensión más amplia después del órgano y el piano.

El arpa moderna de orquesta incluye más de 1400 piezas, y la presión que ejercen las cuerdas sobre el instrumento es alrededor de 2 toneladas y media. Su construcción supone un costo elevado, por lo que son pocos los luthiers que se aventuran a fabricarla. En este proceso se incluye la utilización de contrachapados de haya, arce o palisandro -de fácil curvado al vapor- para la caja de sonido que, a su vez, está reforzada en su interior por una moldura triangular a veces metálica.

Tanto las sencillas arpas medievales, pasando por las elegantes celtas y las muy estructuradas arpas de orquesta, invitan a su constructor a armarse de imaginación e ingenio para solventar las posibles dificultades que puedan cruzársele en el maravilloso sueño que es la construcción de un arpa. Los mecanismos opcionales como los sistemas de semitonos, clavijas y puentes, se encuentran en el mercado a disposición del comprador.

Este viaje litúrgico de la historia y arquitectura del arpa hace diminuto honor a la importancia que se merece, pero puede ayudar a quien hasta ahora desconocía muchos datos de este bello instrumento. Puede que su industrialización mengüe su calidad, pero hace más fácil que la gente pueda adquirirla por un precio cómodo y asequible (sobre todo en las arpas celtas).

Una variante de las arpas es la cromática que posee el doble de cuerdas que una convencional (que son 47 para la de orquesta) y la arpa mágica o colonvina que posee 17 cuerdas.Wikipedia

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Historia del arpa

Si bien existen instrumentos muy antiguos semejantes al arpa, debe tenerse en cuenta que la clasificación de Hornbostel y Sachs distingue entre los cordófonos tipo "arpa", con un mástil que cierra el arco, y los tipo "arco" que no disponen de este mástil. Así pues, varias de las primitivas arpas que se describen en la historia del instrumento son literalmente, arcos musicales.

El arpa es uno de los instrumentos musicales más antiguos. Han existido distintas formas, en diferentes partes del mundo, al igual que en distintas épocas. Pertenece al grupo de los cordófonos. Se conocía ya en la antigua Asiria, en Israel y Egipto, de donde pasó a Grecia. Fue un instrumento muy en boca durante la Edad Media, siendo abandonado durante el Renacimiento. Se recupera en el siglo XVIII, con la incorporación de pedales. También se toca en musicales clásicos para franchela.

Se puede dividir el arpa europea en dos modelos: Arpa medieval, de origen irlandés, también conocida como arpa Bárdica. No superior a los 75 cm de alta y de afinación diatónica, cuerdas metálicas, ornamentalmente rica en tallas, dibujos e incrustaciones de metal. En la actualidad aun se tienen dos ejemplos claros, uno es el arpa del rey Brian Boru (muerto en 1014) que se puede encontrar en el museo de Dublín, y otra es el arpa de la reina Mary de escocia, en el museo nacional de Edimburgo. Arpa celta (de origen galés), puede tener hasta 105 cm de altura, 34 cuerdas y con la posibilidad de incorporar sistemas de semitonos.

Ambas tienen el pilar curvado y su caja de resonancia se ensanchara en las cuerdas graves. Como consecuencia de cambiar el pilar curvado del arpa celta por uno recto, surge el arpa Minstrel, cuyas formas inspiraron a los constructores de las arpas modernas de concierto. En esta última la colocación de sistemas de semitonos es ya habitual y sus dimensiones aumentan. Wikipedia

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Arpa

El arpa (arcaicamente, y también aceptado harpa) es un instrumento cordófono de cuerda pulsada compuesto por un marco resonante y una serie variable de cuerdas tensadas entre la sección inferior y la superior. Las cuerdas pueden ser pulsadas con los dedos o con una púa o plectro. Existen diversos tipos destacando en popularidad, además del arpa clásica, usada actualmente en las orquestas, el arpa celta y el arpa paraguaya. Wikipedia

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Mecanismo de la sordina

La sordina es un mecanismo que sirve para cambiar la calidad y atenuar el sonido producido por la trompeta. Tiene diferentes formas y materiales, como el caucho, el plástico, la madera o el metal, y encaja perfectamente en la campana del instrumento, aunque existen otros tipos de sordinas que no se acoplan (como la sordina desatascador). Suelen fabricarse de plástico o metal.

Las sordinas obstruyen los movimientos de las ondas sonoras en los metales, amplifican ciertos armónicos y reducen otros. Los trompetistas han experimentado con diversas formas de sordinas, desde insertar una mano en el pabellón (técnica ortodoxa en algunos metales clásicos) o incluso cubrir la campana con un bombín.[1]

El desatascador ha dado al jazz los sonidos más vigorosos y vocalizados. Los trompetistas empleaban la goma de los desatascadores para obtener este efecto, de donde proviene el nombre del aparato. En esta técnica, se coloca la sordina sobre el pabellón y se varía el grado de cierre para producir un efecto de wah-wah.

La sordina straight (straight mute) produce los sonidos más suaves de la trompeta. Cilíndrica, se ajusta al pabellón. Se toca hacia el extremo abierto de la sordina y las ondas sonoras pasan a un material que llena el cilindro y absorbe el sonido.

La sordina cup (cup mute) es cónica, con forma de copa en el extremo más ancho, a veces recubierto de fieltro. Reduce el volumen y el tono incisivo de la trompeta, pero añade una cualidad más suave. Puede ajustarse la posición de la copa a la parte cónica para alterar la distancia del pabellón.

La sordina Wah-Wah, inventada en 1965, es un tubo de metal que se ajusta al pabellón y va sellado con un cuello de metal. Su timbre etéreo varía, dependiendo de cuánto se la introduzca en la sordina.

La sordina Harmon equivale a la sordina Wah-Wah, pero sin el cuello metálico instalado en su parte final. Wikipedia

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Sordina

La sordina es el nombre que reciben los diversos mecanismos de reducción del volumen sonoro o modificación de las cualidades tímbricas del sonido, y que adopta diferentes nombres, formas y materiales, según el instrumento. Las más conocidas son las de los instrumentos de viento-metal, en particular las sordinas de la trompeta.

En el caso del piano vertical, el pedal de sordina consiste en una lámina de fieltro que, interpuesta entre los macillos y las cuerdas, reduce ostensiblemente el volumen sonoro. Wikipedia

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Sheng

El sheng chino (en chino: ; Pinyin shēng) es un Instrumento de viento, perteneciente a la familia de los instrumentos de viento-metal o metales. Consiste principalmente en tubos verticales.

Algunos creen que Johann Wilde y Pere Amiot viajaron a China e introdujeron los primeros shengs a Europa en 1740 y 1777, respectivamente, aunque se conocian instrumentos musicales similares en Europa siglos antes. [cita requerida]

En la orquesta sinfónica china moderna, se utiliza tanto para la melodía como para acompañamiento. Su sonido es cálido y suave. La posibilidad de producir acordes lo convierte en un instrumento de acompañamiento de gran valor. Wikipedia

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Sarrusofón

El sarrusofón es un instrumento de viento-metal, de tubo cónico y lengüeta doble, empleado principalmente en las bandas militares.


Los sarrusofones constituyen una familia de instrumentos hoy en día olvidados que fueron concebidos para sustituir a oboes y fagotes en las músicas militares, donde eran muy preciados. La idea de esta familia de instrumentos surgió en una época en la que el interés por la música militar era grande y dio lugar a un gran desarrollo de los instrumentos que utilizaban. Su repertorio no se limitaba a la música militar sino que además se convirtieron en vehículo de difusión de todo tipo de músicas dirigido a amplias capas de la población. Los fabricantes de instrumentos, ante la gran cantidad de pedidos que les hacían las músicas militares, les ofrecieron un trato de favor y contribuyeron al desarrollo de los instrumentos por ellas utilizados.

Sarrus, un director de orquesta militar francés , junto con Pierre-Louis Gautrot, asistente de Adolfo Sax, a partir del oboe y del fagot crean en 1856 una familia de instrumentos completamente metálicos y de una conicidad muy marcada, lo que daba lugar a un mayor poder sonoro en todos los registros y además les dotó del sistema de llaves de Theobald Boehm. Los sarrusofones tuvieron una evolución inversa a la de los saxofones y si estos han ido adquiriendo lentamente importancia los otros la han ido perdiendo. El único instrumento de la familia que se continuó usando a lo largo del siglo XIX fue el sarrusofón contrabajo, que sustituyó al contrafagot que en aquellos momentos tenía una sonoridad poco equilibrada y grandes dificultades mecánicas.

El sarrusofón aventaja en movilidad y seguridad de entonación en el registro grave al contrafagot y al saxofón contrabajo. Wikipedia

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